Musik Elektronik [PDF]

Citation preview

Musik elektronik Musik elektronik adalah musik yang menggunakan alat musik elektronik dan teknologi musik elektronik dalam produksinya.Secara umum pembedaan dapat dibuat antara suara yang dihasilkan menggunakan sarana elektromekanis dan diproduksi dengan menggunakan teknologi elektronik [1]. Contoh suara memproduksi perangkat elektromekanis termasuk telharmonium, Hammond organ, dan gitar listrik. Produksi suara murni elektronik dapat dicapai dengan menggunakan perangkat seperti Theremin, synthesizer suara, dan komputer. [2] Musik elektronik pernah dikaitkan hampir secara eksklusif dengan musik seni Barat tetapi dari akhir 1960-an pada ketersediaan teknologi musik terjangkau berarti bahwa musik yang dihasilkan dengan menggunakan sarana elektronik menjadi semakin umum dalam domain populer musik elektronik. [3] Hari ini mencakup banyak varietas dan berkisar dari seni eksperimental musik untuk bentuk-bentuk populer seperti musik dansa elektronik.



Asal: akhir abad 19 ke abad ke-20 awal Kemampuan untuk merekam suara yang sering terhubung ke produksi musik elektronik, tapi tidak mutlak diperlukan untuk itu.Yang dikenal paling awal perangkat suara rekaman adalah phonautograph, dipatenkan pada tahun 1857 oleh Édouard-Léon Scott de Martinville. Itu bisa merekam suara visual, tetapi tidak dimaksudkan untuk memainkannya kembali. [4] Pada tahun 1878, Thomas A. Edison dipatenkan fonograf, yang digunakan silinder mirip dengan perangkat Scott. Meskipun silinder terus digunakan untuk beberapa waktu, Emile Berliner mengembangkan fonograf disk pada tahun 1887. [5] Sebuah penemuan yang signifikan, yang kemudian memiliki efek mendalam pada musik elektronik, adalah audion triode Lee DeForest itu. Ini adalah katup termionik pertama, atau tabung vakum, ditemukan pada tahun 1906, yang menyebabkan generasi dan amplifikasi sinyal listrik, penyiaran radio, dan komputasi elektronik, antara lain. Sebelum musik elektronik, ada keinginan yang berkembang untuk komposer untuk menggunakan teknologi muncul untuk tujuan musik. Beberapa instrumen diciptakan yang mempekerjakan desain elektromekanis dan mereka membuka jalan bagi munculnya kemudian instrumen elektronik. Sebuah alat elektromekanik disebut Telharmonium (kadang-kadang Teleharmonium atau Dynamophone) dikembangkan oleh Thaddeus Cahill pada tahun-tahun 1898-1912. Namun, ketidaknyamanan sederhana menghambat adopsi Telharmonium, karena ukuran besar nya. Instrumen elektronik pertama sering dipandang sebagai Theremin, ditemukan oleh Profesor Léon Theremin sekitar tahun 1919-1920. [6] Lain instrumen elektronik awal termasuk Sonore Croix, diciptakan pada tahun 1926 oleh Nikolai Obukhov, dan Martenot Ondes, yang paling terkenal digunakan dalam Turangalîla-oleh Olivier Messiaen Symphonie serta karya lain oleh dia. Para Martenot Ondes juga digunakan oleh yang lain, terutama Perancis, komposer seperti Andre Jolivet. [7]



Sketsa estetika Baru Musik Pada tahun 1907, hanya setahun setelah penemuan audion triode, Ferruccio Busoni diterbitkan Sketsa estetika Baru Musik, yang membahas penggunaan listrik dan sumber suara baru dalam musik masa depan. Dia menulis tentang masa depan skala microtonal dalam musik, dimungkinkan oleh Dynamophone Cahill: "Hanya rangkaian panjang dan hati-hati eksperimen, dan pelatihan lanjutan dari telinga, dapat membuat ini didekati bahan asing dan plastik untuk generasi yang akan datang, dan untukSeni "[8]. Juga di Sketch dari estetika Baru Musik, Busoni menyatakan: Musik sebagai sebuah seni, yang disebut musik barat kita, hampir empat ratus tahun; negaranya adalah salah satu pengembangan, mungkin tahap pertama dari pengembangan melampaui konsepsi ini, dan kita-kita berbicara tentang "klasik" dan "suci tradisi "! Dan kami telah berbicara dari mereka untuk waktu yang lama! Kami telah merumuskan aturan, prinsipprinsip menyatakan, hukum yang ditetapkan;-kita menerapkan hukum dibuat untuk kedewasaan untuk anak yang tahu apa-apa tanggung jawab! Muda seperti itu, anak ini, kita sudah mengakui bahwa ia memiliki satu atribut yang bercahaya signalizes melampaui semua saudara tua nya. Dan pembuat hukum tidak akan melihat ini atribut mengagumkan, agar undang-undang mereka harus dilempar ke angin. Anak-hal ini mengapung di udara! Ini tidak menyentuh bumi dengan kakinya. Ia tahu ada hukum gravitasi. Hal ini juga hampir inkorporeal. Material transparan. Ini adalah udara nyaring. Hal ini hampir Alam sendiri.Ini adalah bebas! Tapi kebebasan adalah sesuatu yang manusia tidak pernah sepenuhnya dipahami, tidak pernah menyadari dengan penuh. Mereka tidak dapat mengenali atau mengakui hal itu. Mereka mengingkari misi anak ini, mereka menggantung berat di atasnya. Makhluk apung harus berjalan sopan, seperti orang lain. Ini hampir tidak mungkin diperbolehkan untuk melompatketika itu sukacita untuk mengikuti garis pelangi, dan mematahkan sunbeams dengan awan [9]. Melalui menulis, serta kontak pribadi, Busoni memiliki efek mendalam pada banyak musisi dan komposer, mungkin terutama pada muridnya, Edgard Varese, yang mengatakan: Bersama-sama kita digunakan untuk mendiskusikan apa arah musik dari masa depan akan, atau lebih tepatnya, harus mengambil dan tidak bisa mengambil selama kungkungan sistem marah. Dia menyesalkan bahwa instrumen keyboard sendiri telah dikondisikan telinga kita untuk hanya menerima bagian yang sangat kecil dari gradasi suara tak terbatas di alam.Dia sangat tertarik dalam instrumen listrik kami mulai mendengar tentang, dan saya ingat terutama yang ia telah membaca disebut Dynamophone tersebut. Semua melalui tulisan-tulisannya kita menemukan lagi dan lagi prediksi tentang masa depan musik yang sejak menjadi kenyataan. Bahkan, hampir tak ada perkembangan yang ia tidak meramalkan, seperti misalnya dalam nubuat yang luar biasa: "Aku hampir berpikir bahwa dalam musik besar baru, mesin juga akan diperlukan dan akan diberikan bagian di dalamnya. Mungkin industri, juga akan mendatangkan bagiannya dalam pendakian artistik '[10].



Futuris Di Italia, Futuris mendekati estetika musik berubah dari sudut yang berbeda. Sebuah dorongan utama dari filosofi Futuris adalah nilai "kebisingan," dan menempatkan nilai artistik dan



ekspresif pada suara yang sebelumnya tidak dianggap bahkan jauh musik. "Manifesto Teknis Musik Futuris" Balilla Pratella itu (1911) menyatakan bahwa kredo mereka adalah: "Untuk memberikan jiwa musik dari massa, dari pabrik-pabrik besar, dari kereta api, dari liners transatlantik, dari kapal perang, dari mobil dan pesawat terbang. Untuk menambah tema sentral besar dari puisi musik domain dari mesin dan kerajaan menang Listrik. "[11] Pada tanggal 11 Maret 1913, futuris Luigi Russolo menerbitkan Manifesto nya "The Art of Suara-suara". Pada tahun 1914, ia memegang pertama "seni-of-suara" konser di Milan pada 21 April. Ini digunakan Intonarumori nya, dijelaskan oleh Russolo sebagai "kebisingan akustikinstrumen, yang suara (lolongan, mengaum, mengocok, menggelegak, dll) tangan-diaktifkan dan diproyeksikan oleh tanduk dan megafon." [12] Pada bulan Juni, konser serupa diadakan di Paris.



1920-an ke 1930-an Dekade ini membawa banyak instrumen elektronik komposisi awal dan pertama untuk instrumen elektronik. Instrumen pertama, Etherophone tersebut, diciptakan oleh Léon Theremin (lahir Im Termen) antara 1919 dan 1920 di Leningrad, meskipun akhirnya berganti nama Theremin ini. Hal ini menyebabkan komposisi pertama untuk instrumen elektronik, yang bertentangan dengan noisemakers dan re-bertujuan mesin. Pada tahun 1929, Joseph Schillinger terdiri Suite Pertama Airphonic untuk Theremin dan Orchestra, perdana dengan Cleveland Orchestra dengan Leon Theremin sebagai solois. Selain Theremin ini, Martenot Ondes diciptakan pada tahun 1928 oleh Maurice Martenot, yang memulai debutnya itu di Paris [13]. Tahun berikutnya, Antheil pertama terdiri untuk perangkat mekanik, listrik noisemakers, motor dan amplifier dalam opera yang belum selesai, Mr Bloom. Rekaman suara yang dibuat lompatan pada tahun 1927, ketika Amerika penemu JA O'Neill mengembangkan perangkat perekam yang digunakan pita magnetis dilapisi. Namun, ini adalah kegagalan komersial. Dua tahun kemudian, Laurens Hammond mendirikan perusahaan nya untuk pembuatan instrumen elektronik. Dia melanjutkan untuk memproduksi organ Hammond, yang didasarkan pada prinsip-prinsip Telharmonium, bersama dengan perkembangan lainnya termasuk unit dengung awal [14] Hammond (bersama dengan John Hanert dan CN Williams) juga akan pergi untuk menciptakan instrumen lain elektronik. , yang Novachord, yang diproduksi perusahaan Hammond 1939-1942. [15] Metode foto-optik rekaman suara yang digunakan dalam sinematografi memungkinkan untuk mendapatkan gambar terlihat dari gelombang suara, serta untuk mewujudkan tujuan-sintesis berlawanan suara dari gelombang suara yang ditarik secara artifisial. Dalam periode yang sama, eksperimen dimulai dengan seni suara, praktisi awal Tristan Tzara yang meliputi, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti, dan lain-lain. Pembangunan: 1940 untuk tahun 1950



Musik rekaman electroacoustic Rendah-fidelity perekam kawat magnet telah digunakan sejak sekitar tahun 1900 [16] dan pada 1930-an awal industri film mulai mengkonversi ke optik baru suara-on-film sistem perekaman



didasarkan pada sel fotolistrik [17]. Saat itu sekitar kali ini bahwa perusahaan Jerman AEG elektronik mengembangkan tape recorder praktis pertama audio, "Magnetophon" K-1, yang diresmikan di Radio Show di Berlin pada bulan Agustus 1935. [18] Selama Perang Dunia II, Walter Weber kembali dan menerapkan teknik AC biasing, yang secara dramatis meningkatkan kesetiaan perekaman magnetik dengan menambahkan nada frekuensi tinggi terdengar. Ini diperpanjang Magnetophone kurva frekuensi 'K4' 1941-10 kHz dan meningkatkan jangkauan dinamis hingga 60 dB, [19] melebihi semua sistem perekaman dikenal pada waktu itu [20]. Pada awal 1942 telah membuat rekaman AEG tes dalam stereo [21]. Namun perangkat ini dan teknik tetap menjadi rahasia di luar Jerman sampai akhir Perang Dunia II, ketika ditangkap Magnetophon perekam dan gulungan Farben besi-oksida pita rekaman dibawa kembali ke Amerika Amerika oleh Jack Mullin dan lain-lain [22]. Perekam ini ditangkap dan kaset adalah dasar untuk pengembangan perekam pertama Amerika rekaman komersial yang dibuat profesional, Model 200, diproduksi oleh perusahaan Ampex Amerika [23] dengan dukungan dari penghibur Bing Crosby, yang menjadi salah satu pemain pertama untuk merekam siaran radio dan studio rekaman master rekaman. [24] Audio tape magnetik membuka berbagai kemungkinan baru yang luas sonik untuk musisi, komposer, produser dan insinyur.Rekaman audio relatif murah dan sangat dapat diandalkan, dan kesetiaan dalam reproduksi lebih baik daripada media audio untuk saat ini. Yang paling penting, tidak seperti cakram, itu menawarkan plastisitas yang sama digunakan sebagai film.Tape dapat diperlambat, dipercepat atau bahkan berjalan mundur selama perekaman atau pemutaran, dengan efek sering kali mengejutkan. Hal ini dapat diedit fisik dalam banyak cara yang sama sebagai film, memungkinkan untuk bagian yang tidak diinginkan rekaman menjadi mulus dihapus atau diganti; juga, segmen pita dari sumber lain dapat diedit masuk Tape juga dapat bergabung untuk membentuk loop tak berujung yang terus memainkan pola berulang dari pra-rekaman materi. Audio amplifikasi dan pencampuran peralatan lanjut memperluas kemampuan tape sebagai media produksi, yang memungkinkan beberapa pra-direkam rekaman (dan / atau tinggal suara, pidato atau musik) untuk dicampur bersama dan serentak direkam ke tape lain relatif sedikit dengan hilangnya kesetiaan. Rejeki tak terduga lainnya adalah bahwa tape recorder dapat relatif mudah dimodifikasi untuk menjadi gema mesin yang menghasilkan kompleks, terkontrol, berkualitas tinggi dan efek dengung gema (sebagian besar yang akan hampir mustahil untuk mencapai dengan cara mekanis). Penyebaran tape recorder akhirnya menyebabkan perkembangan musik rekaman electroacoustic. Contoh pertama yang diketahui disusun pada tahun 1944 oleh Halim El-Dabh, seorang mahasiswa di Kairo, Mesir [25]. Dia mencatat suara upacara zaar kuno menggunakan perekam kawat rumit dan di Timur Tengah studio Radio diproses menggunakan bahan dengung , echo, kontrol tegangan, dan re-rekaman. Pekerjaan yang dihasilkan berjudul Ekspresi Zaar dan itu disajikan pada tahun 1944 di sebuah acara galeri seni di Kairo. Sementara percobaan awal dalam rekaman berbasis komposisi tidak banyak dikenal di luar Mesir pada saat itu, El-Dabh juga terkenal untuk kemudian bekerja di musik elektronik di Pusat Columbia-Princeton Musik Elektronik di akhir 1950-an [26].



Musique beton Itu tidak lama sebelum komposer di Paris juga mulai menggunakan tape recorder untuk mengembangkan teknik baru untuk komposisi disebut Musique beton. Teknik ini melibatkan mengedit fragmen bersama-sama tercatat suara alam dan industri [27]. Potongan pertama musique beton di Paris dirakit oleh Pierre Schaeffer, yang kemudian berkolaborasi dengan Pierre Henry. Pada tanggal 5 Oktober 1948, Radiodiffusion Française (RDF) siaran komposer Pierre Schaeffer Etude Chemins de fer aux. Ini adalah "gerakan" pertama dari CINQ de bruit Études, dan menandai awal realisasi studio [28] dan musique beton (atau seni acousmatic). Schaeffer dipekerjakan disk pemotongan bubut, empat turntable, mixer empat saluran, filter, ruang gema, dan unit rekaman ponsel. Tidak lama setelah ini, Henry mulai berkolaborasi dengan Schaeffer, sebuah kemitraan yang akan memiliki efek mendalam dan abadi pada arah musik elektronik.Lain asosiasi Schaeffer, Edgard Varese, mulai bekerja pada gurun, sebuah karya untuk orkestra dan tape. Bagian-bagian rekaman di studio diciptakan Pierre Schaeffer, dan kemudian direvisi di Columbia University. Pada tahun 1950, Schaeffer memberi publik pertama (non-siaran) konser musique beton di Ecole Normale de Musique de Paris. "Schaeffer menggunakan sistem PA, beberapa turntable, mixer dan kinerja tidak berjalan dengan baik, sebagai menciptakan montages hidup dengan turntable belum pernah dilakukan sebelumnya.." [29] Kemudian pada tahun yang sama, Pierre Schaeffer berkolaborasi dengan Henry pada Symphonie tuangkan un homme seul (1950) karya besar pertama dari beton musique. Di Paris pada tahun 1951, dalam apa yang menjadi tren di seluruh dunia penting, RTF mendirikan studio pertama untuk produksi musik elektronik. Juga pada tahun 1951, Schaeffer dan Henry menghasilkan sebuah opera, Orpheus, untuk suara beton dan suara.



Elektronische Musik Karlheinz Stockhausen bekerja sebentar di studio Schaefer pada 1952, dan sesudahnya selama bertahun-tahun di Studio Cologne WDR untuk Electronic Musik. Di Cologne, apa yang akan menjadi studio musik elektronik yang paling terkenal di dunia secara resmi dibuka di studio radio NWDR pada tahun 1953, meskipun sudah dalam tahap perencanaan sedini tahun 1950 dan komposisi awal dibuat dan disiarkan pada tahun 1951. [30] Anak otak Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer, dan Herbert Eimert (yang menjadi direktur pertamanya), studio segera bergabung dengan Karlheinz Stockhausen dan Gottfried Michael Koenig. Pada tahun 1949 tesisnya Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Sprache Synthetische, Meyer-Eppler dikandung ide untuk mensintesis musik seluruhnya dari sinyal elektronik yang diproduksi dengan cara ini, elektronische Musik tajam dibedakan dari Perancis musique beton, yang menggunakan suara direkam dari sumber akustik. [31] Dengan Stockhausen dan Mauricio Kagel di rumah, itu menjadi sarang tahun putaran karismatik Avante-gardism [sic] "[32] pada dua kesempatan menggabungkan suara elektronik yang dihasilkan dengan orkestra-dalam relatif konvensional Mixtur (1964) dan Hymnen, dritte Daerah mit Orchester (1967) [33]. Stockhausen menyatakan bahwa pendengarnya telah mengatakan



kepadanya musik elektronik yang memberikan mereka pengalaman "luar angkasa," sensasi terbang, atau berada di "dunia mimpi fantastis" [34] Baru-baru ini, Stockhausen berbalik untuk memproduksi musik elektronik di studio sendiri di Kurten, karya terakhirnya dalam genre yang Pulsa Kosmis (2007).



Musik elektronik Jepang Sementara instrumen listrik purba seperti Martenot Ondes, Theremin dan Trautonium masih kecil dikenal di Jepang sebelum Perang Dunia II, komposer tertentu seperti Minao Shibata telah diketahui tentang mereka pada saat itu. Beberapa tahun setelah berakhirnya Perang Dunia II, musisi di Jepang mulai bereksperimen dengan musik elektronik, mengakibatkan beberapa upaya paling berdedikasi karena sponsor institusional memungkinkan komposer untuk bereksperimen dengan rekaman audio terbaru dan peralatan pengolahan. Upaya ini mewakili infus musik Asia ke dalam genre yang muncul dan akhirnya akan membuka jalan bagi dominasi Jepang dalam pengembangan teknologi musik beberapa dekade kemudian [35]. Setelah dasar dari perusahaan elektronik Sony (kemudian bernama Tokyo Tsushin Kogyo KK) pada tahun 1946, dua komposer Jepang, Toru Takemitsu dan Minao Shibata, independen menulis tentang kemungkinan penggunaan teknologi elektronik untuk menghasilkan musik selama akhir 1940-an [36]. Pada tahun 1948 , Takemitsu dikandung dari sebuah teknologi yang akan "membawa suara ke dalam nada musik marah di dalam sebuah tabung kecil yang sibuk," konkret ide yang mirip dengan Pierre Schaeffer musique tahun yang sama, yang Takemitsu tidak menyadari sampai beberapa tahun kemudian.Pada tahun 1949, Shibata menulis tentang konsep "alat musik dengan kinerja yang sangat tinggi" yang dapat "mensintesis segala jenis gelombang suara" dan "dioperasikan sangat mudah," memprediksi bahwa dengan instrumen seperti, "dunia musik akan berubah drastis "[37] Pada tahun yang sama., Sony mengembangkan tape recorder magnetik G-Type, [38] yang menjadi perangkat rekaman populer untuk digunakan di ruang pengadilan dan kantor-kantor pemerintah, mengarah ke Sony merilis H-Type untuk digunakan di rumah oleh 1951 [35]. Pada tahun 1950, Jikken Kobo (Lokakarya Eksperimental) studio musik elektronik akan didirikan oleh sekelompok musisi untuk menghasilkan musik elektronik eksperimental menggunakan recorder Sony tape. Ini termasuk musisi seperti Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama, dan Joji Yuasa, dan didukung oleh Sony, yang menawarkan mereka akses ke teknologi audio terbaru, menyewa Takemitsu menggubah musik rekaman elektronik untuk menunjukkan tape recorder mereka, dan konser disponsori. [39 ] Yang pertama rekaman musik elektronik dari kelompok itu "tidak Toraware Onna" ("Wanita Dipenjara") dan "Piece B", diselesaikan pada tahun 1951 oleh Kuniharu Akiyama [40] Banyak dari potongan-potongan rekaman electroacoustic yang mereka hasilkan. biasanya digunakan sebagai insidental musik untuk radio, film, dan teater. Mereka juga mengadakan konser seperti Lokakarya Eksperimental 1953 ini, Pameran 5, yang mempekerjakan 'auto-slide', sebuah mesin yang dikembangkan oleh Sony yang memungkinkan untuk melakukan sinkronisasi slide show dengan soundtrack yang direkam pada kaset, mereka menggunakan perangkat yang sama untuk menghasilkan rekaman konser ini musik di studio Sony. Konser, bersama dengan rekaman musik eksperimental electroacoustic mereka memproduksi, mengantisipasi pengenalan musique beton di Jepang



akhir tahun itu. [41] Selain Kobo Jikken, komposer lain seperti Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga dan Shiro Fukai juga bereksperimen denganmemproduksi musik rekaman radiophonic antara tahun 1952 dan 1953. [38] Jepang diperkenalkan ke musique beton melalui Toshiro Mayuzumi, yang pada tahun 1952 menghadiri konser Schaeffer di Paris [40] Setelah kembali ke Jepang, ia bereksperimen dengan sepotong musik rekaman pendek untuk film komedi 1952 Carmen Jyunjyosu (Carmen Dengan Hati Murni). [42] dan kemudian menghasilkan "X, Y, Z untuk Musique Concrete" yang disiarkan oleh stasiun radio JOQR pada tahun 1953. [40] Mayuzumi juga terdiri sepotong beton musique untuk 1954 drama radio Yukio Mishima di Tinju [42]. Prancis Schaeferkonsep objet sonore (objek suara), bagaimanapun, tidak berpengaruh di antara komposer Jepang, yang utama kepentingan dalam teknologi musik bukan untuk, menurut Mayuzumi, mengatasi pembatasan [43] "materi atau batas kinerja manusia." Hal ini menyebabkan beberapa musisi electroacoustic Jepang memanfaatkan serialism dan dua belas-nada teknik, [43] jelas pada tahun 1951 sepotong dodecaphonic Yoshiro Irino itu "Concerto da Kamera", [42] dalam organisasi suara elektronik di "Mayuzumi X, Y, Z untuk Beton Musique ", dan kemudian di musik elektronik Shibata tahun 1956. [44] Mengikuti jejak studio Cologne didirikan pada tahun 1953, Jepang perusahaan NHK didirikan salah satu fasilitas terkemuka di dunia musik elektronik di Tokyo, Studio NHK, tahun 1954, melengkapi dengan teknologi seperti nada-menghasilkan dan peralatan pengolahan audio, merekam dan radiophonicperalatan, Ondes Martenot, monochord dan Melochord, osilator gelombang sinus, tape recorder, modulator cincin, band-pass filter, dan mixer empat & delapan saluran. Musisi yang terkait dengan studio termasuk Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi, dan Toru Takemitsu. Komposisi pertama studio elektronik itu selesai pada tahun 1955, termasuk 5-menit Mayuzumi yang potongan "Studie I: Musik untuk sine Wave oleh Proporsi Nomor Perdana", "Musik untuk Gelombang Modulated oleh Proporsi Nomor Perdana" dan "Invensi Square Wave dan Sawtooth gelombang "diproduksi menggunakan berbagai studio menghasilkan nada-kemampuan, dan 20-menit stereo Shibata sepotong" Musique Beton untuk Broadcast stereoponis ". [45] Ikutaro Kakehashi mendirikan sebuah bengkel yang disebut Kakehashi Perhiasan Toko di akhir 1940-an memperbaiki jam tangan dan radio, dan kemudian pada tahun 1954 mendirikan Kakehashi Musen ("Kakehashi Radio"), yang akhirnya tumbuh menjadi Nada Ace perusahaan dengan 1960 dan kemudian oleh Roland Corporation 1972 . Kakehashi mulai memproduksi alat-alat musik elektronik sejak 1955, dengan tujuan membuat yang mampu menghasilkan melodi monophonic. Selama 1950-an, ia menghasilkan theramins, Martenots Ondes, dan keyboard elektronik, dan pada tahun 1959, amplifier gitar Hawaii dan organ elektronik [46].



Amerika elektronik musik Di Amerika Serikat, suara sedang elektronik diciptakan dan digunakan dalam komposisi, sebagaimana dicontohkan dalam sepotong oleh Morton Feldman disebut temu Marjinal. Bagian ini mencetak gol untuk angin, kuningan, perkusi, string, 2 osilator, dan efek suara memukau, dan skor menggunakan notasi grafik Feldman. Musik untuk Proyek Magnetic Tape dibentuk oleh anggota dari New York Sekolah (John Cage,



Earle Brown, Kristen Wolff, David Tudor, dan Morton Feldman), [47] dan berlangsung tiga tahun sampai 1954. Cage menulis dari kolaborasi ini: "Dalam kegelapan sosial, oleh karena itu, karya Earle Brown, Morton Feldman, dan Kristen Wolff terus menyajikan cahaya terang, dengan alasan bahwa pada beberapa titik notasi, kinerja, dan audisi, tindakan adalah provokatif. [48] Cage selesai Williams Mix pada tahun 1953 saat bekerja dengan Musik untuk Proyek Magnetic Tape [49]. Kelompok ini tidak memiliki fasilitas permanen, dan harus bergantung pada waktu yang dipinjam di studio suara komersial, termasuk studio Louis dan Bebe Barron.



Columbia-Princeton Pusat Pada tahun yang sama Universitas Columbia membeli kaset pertama perekam profesional Ampex mesin untuk tujuan rekaman konser. Vladimir Ussachevsky, yang di fakultas musik dari Columbia University, ditempatkan bertugas perangkat, dan hampir segera mulai bereksperimen dengan itu. Herbert Russcol menulis: ". Segera ia tertarik dengan sonorities baru ia bisa mencapai dengan merekam instrumen musik dan kemudian melapiskan mereka pada satu sama lain" [50] Ussachevsky kemudian mengatakan: "Saya tiba-tiba menyadari bahwa tape recorder bisa diperlakukan sebagai instrumentransformasi suara "[50]. Pada Kamis, 8 Mei, 1952, Ussachevsky disajikan beberapa demonstrasi musik rekaman / efek yang dia buat di Forum Komponis nya, di Teater McMillin di Columbia University. Transposisi ini termasuk, Gema, Eksperimen, Komposisi, dan Valse Underwater. Dalam sebuah wawancara, ia menyatakan: ". Saya disajikan beberapa contoh dari penemuan saya dalam konser publik di New York bersama-sama dengan komposisi lain saya telah ditulis untuk instrumen konvensional" [50] Otto Luening, yang menghadiri konser ini, berkomentar: " Peralatan di pembuangan terdiri dari tape recorder Ampex... dan peralatan kotak-seperti perangkat dirancang oleh insinyur muda brilian, Peter Mauzey, untuk menciptakan umpan balik, bentuk gema mekanik. sederhana lainnya dipinjam atau dibeli dengan dana pribadi ". [51] Hanya tiga bulan kemudian, pada Agustus 1952, Ussachevsky pergi ke Bennington, Vermont pada undangan Luening untuk menyajikan eksperimen. Ada, dua berkolaborasi pada berbagai potongan. Luening menggambarkan peristiwa ini: ".. Dilengkapi dengan earphone dan suling, saya mulai mengembangkan pertama saya tape-recorder komposisi Kami berdua improvisors lancar dan menengah dipecat imajinasi kita" [51] Mereka memainkan beberapa potongan awal informal di sebuah pesta,dimana "sejumlah komponis hampir serius mengucapkan selamat kepada kami mengatakan, 'Ini dia' ('itu' berarti musik masa depan)." [51] Firman cepat mencapai New York City. Oliver Daniel menelepon dan mengundang pasangan untuk "menghasilkan sekelompok komposisi pendek untuk konser Oktober disponsori oleh Aliansi Komponis Amerika dan Musik Broadcast, Inc, di bawah arahan Leopold Stokowski di Museum of Modern Art di New York. Setelah beberapa ragu-ragu, kami setuju.... Henry Cowell ditempatkan rumahnya dan studio di Woodstock, New York, yang kita miliki. Dengan peralatan meminjam di belakang mobil Ussachevsky, kami meninggalkan Bennington untuk Woodstock dan tinggal dua minggu.... Dalam akhir September, 1952, laboratorium bepergian sampai di kamar Ussachevsky yang tinggal di New York, di mana kita akhirnya menyelesaikan komposisi "[51].



Dua bulan kemudian, pada tanggal 28 Oktober, Vladimir Ussachevsky dan Otto Luening disajikan konser Tape Musik pertama di Amerika Serikat. Konser termasuk Fantasi Luening di Ruang (1952) - "sepotong virtuoso impresionistik" [51] menggunakan rekaman dimanipulasi seruling dan Kecepatan Rendah (1952), sebuah [51 "komposisi eksotis yang membawa suling jauh di bawah kisaran alam." ] Kedua buah diciptakan di rumah Henry Cowell di Woodstock, NY. Setelah beberapa konser menyebabkan sensasi di New York City, Ussachevsky dan Luening diundang ke sebuah siaran langsung Today Show NBC untuk melakukan wawancara demonstrasi-kinerja electroacoustic pertama televisi. Luening menggambarkan peristiwa ini: ".. Saya improvisasi beberapa [seruling] urutan untuk perekam kaset Ussachevsky sana dan menempatkan mereka melalui transformasi elektronik" [52] 1954 melihat munculnya apa yang sekarang dianggap otentik listrik ditambah komposisi akustik-akustik ditambah instrumentasi / disertai dengan rekaman dimanipulasi dan / atau suara elektronik yang dihasilkan. Tiga karya besar yang perdana tahun itu: gurun Varese, untuk ansambel kamar dan suara tape, dan dua karya oleh Luening dan Ussachevsky: Variasi kagum untuk Symphony Louisville dan Puisi A dalam Siklus dan Bells, baik untuk orkestra dan tape. Karena dia telah bekerja di studio Schaeffer, bagian tape untuk bekerja Varese berisi suara konkret jauh lebih dari elektronik. "Sebuah kelompok yang terdiri dari alat musik tiup, perkusi dan bergantian piano dengan suara bermutasi dari suara sirene pabrik dan kapal dan motor, datang dari dua pengeras suara." [53] Gurun adalah perdana di Paris dalam siaran stereo pertama di Radio Prancis. Pada pemutaran perdana Jerman di Hamburg, yang dilakukan oleh Bruno Maderna, kontrol tape dioperasikan oleh Karlheinz Stockhausen. [53] padang pasir judul, disarankan untuk tidak hanya Varese, "semua gurun fisik (pasir, laut, salju, dari luar ruang, jalan-jalan kosong), tetapi juga padang pasir dalam pikiran manusia, bukan hanya mereka dilucuti aspek alam yang menunjukkan ketelanjangan, sikap dingin, keabadian, tetapi juga bahwa teleskop ruang batin jarak jauh tidak bisa mencapai, di mana manusia sendiri, dunia misteri dan kesepian penting "[54]. Pada tahun 1958, Columbia-Princeton mengembangkan RCA Mark II Synthesizer Suara, synthesizer diprogram pertama [55] komposer terkemuka seperti Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El-Dabh, Bülent Arel dan Mario Davidovsky. Menggunakan Synthesizer RCA ekstensif dalam berbagai komposisi [56] Salah satu komponis yang paling berpengaruh terkait dengan tahun-tahun awal studio. adalah Mesir Halim El-Dabh yang, [57] setelah mengembangkan musik rekaman paling awal dikenal elektronik di tahun 1944, [25] menjadi lebih terkenal karena Leiyla dan si Penyair, 1959 serangkaian komposisi elektronik yang berdiri keluar untuk perendaman dan fusi mulus musik elektronik dan rakyat, berbeda dengan pendekatan yang lebih matematika yang digunakan oleh komposer serial seperti Babbitt pada saat itu. El-Dabh yang Leiyla dan si Penyair, dirilis sebagai bagian dari album Columbia-Princeton Elektronik Music Center pada tahun 1961, akan dikutip sebagai pengaruh yang kuat oleh sejumlah musisi, mulai dari Neil Rolnick, Charles Amirkhanian dan Alice Shields untuk musisi rock Frank Zappa dan The Pantai Barat Pop Band Seni Eksperimental [58].



Musik Stochastic



Sebuah perkembangan baru yang penting adalah munculnya komputer untuk tujuan menyusun musik, sebagai lawan untuk memanipulasi atau membuat suara. Iannis Xenakis mulai apa yang disebut "musique stochastique," atau "musik stokastik", yang merupakan metode penyusunan sistem yang menggunakan probabilitas matematika. [Kutipan diperlukan] algoritma probabilitas yang berbeda digunakan untuk membuat sepotong bawah set parameter. Xenakis digunakan kertas grafik dan penggaris untuk membantu dalam menghitung lintasan kecepatan dari glissandi untuk Metastasis komposisi orkestra nya (1953-1954), tetapi kemudian beralih ke penggunaan komputer untuk menyusun potongan-potongan seperti ST / 4 untuk kuartet gesek dan ST/48 untuk orkestra (keduanya 1962).



Mid-ke-akhir 1950-an Pada tahun 1954, Stockhausen terdiri nya Elektronische Studie II-bagian elektronik pertama yang akan diterbitkan sebagai skor.Pada tahun 1955, studio lebih eksperimental dan elektronik mulai muncul. Terkenal adalah penciptaan Studio de Fonologia (telah disebutkan), sebuah studio di NHK di Tokyo didirikan oleh Toshiro Mayuzumi, dan studio Phillips di Eindhoven, Belanda, yang pindah ke Universitas Utrecht sebagai Institut Sonology pada tahun 1960 . Skor untuk Planet Terlarang, oleh Louis dan Bebe Barron, [59] adalah seluruhnya terdiri menggunakan sirkuit elektronik kustom dibangun dan tape recorder pada tahun 1956. Komputer pertama di dunia untuk memutar musik adalah CSIRAC yang dirancang dan dibangun oleh Trevor Pearcey dan Beard Maston. Geoff matematika Bukit diprogram CSIRAC untuk bermain melodi musik populer dari tahun 1950 sangat awal.Pada tahun 1951 secara terbuka memainkan Bogey Kolonel Maret yang tidak dikenal ada rekaman [60]. Namun, memainkan repertoar standar CSIRAC dan tidak digunakan untuk memperluas pemikiran atau praktek musik komposisi yang praktek komputer musik saat ini. CSIRAC tidak pernah tercatat, namun musik yang dimainkan secara akurat direkonstruksi (referensi 12). Rekaman tertua yang dihasilkan komputer musik yang dimainkan oleh komputer Mark, Ferranti 1 versi komersial dari Mesin Bayi dari University of Manchester pada musim gugur 1951. Program musik yang ditulis oleh Christopher Strachey. Dampak komputer terus pada tahun 1956. Lejaren Hiller dan Leonard Isaacson terdiri Suite iliaka untuk string quartet, pekerjaan lengkap pertama dari komputer-dibantu komposisi menggunakan komposisi algoritmik. "... Hiller mendalilkan bahwa komputer dapat diajarkan aturan gaya tertentu dan kemudian dipanggil untuk menulis sesuai." [61] Kemudian perkembangan termasuk karya Max Mathews di Bell Laboratories, yang mengembangkan MUSIC berpengaruh saya program. Teknologi vocoder juga merupakan perkembangan penting dalam era awal.Pada tahun 1956, Stockhausen terdiri Gesang der Jünglinge, pekerjaan utama pertama dari studio Cologne, berdasarkan teks dari Kitab Daniel. Sebuah pengembangan teknologi penting dari tahun itu adalah penemuan synthesizer Clavivox oleh Raymond Scott dengan subassembly oleh Robert Moog. Pada tahun 1957, MUSIC, salah satu program komputer pertama untuk memainkan musik elektronik, diciptakan oleh Max Mathews di Bell Laboratories. Juga pada tahun 1957, Kid Baltan (Dick Raaymakers) dan Tom Dissevelt merilis album debut mereka, Song Of The Moon Kedua, direkam di studio Phillips. [62] Masyarakat tetap tertarik



pada suara baru yang dibuat di seluruh dunia, seperti dapatdisimpulkan dengan dimasukkannya Varese yang Poème Electronique, yang dimainkan lebih dari empat ratus pengeras suara di Paviliun Phillips dari Dunia 1958 Brussels Fair. Pada tahun yang sama, Mauricio Kagel, seorang komposer Argentina, terdiri Transición II. Pekerjaan itu direalisasikan di studio WDR di Cologne. Dua musisi tampil pada piano, salah satu dengan cara tradisional, bermain lainnya pada string, bingkai, dan kasus. Dua pemain lain menggunakan tape untuk menyatukan suara penyajian hidup dengan masa depan bahan rekaman dari di kemudian hari dan masa lalu rekaman dibuat sebelumnya dalam kinerja.



Ekspansi: 1960 Ini adalah tahun yang subur untuk elektronik musik tidak hanya untuk akademisi, tapi untuk seniman independen sebagai teknologi synthesizer menjadi lebih mudah diakses. Pada saat ini, komunitas yang kuat dari komposer dan musisi bekerja dengan suara baru dan instrumen didirikan dan berkembang.1960 menyaksikan komposisi Gargoyles Luening untuk biola dan tape serta pemutaran perdana Kontakte Stockhausen untuk suara elektronik, piano, dan perkusi. Potongan ini ada dalam dua versi-satu untuk 4-channel tape, dan yang lainnya untuk tape dengan pemain manusia. "Dalam Kontakte, Stockhausen meninggalkan bentuk musik tradisional didasarkan pada pengembangan linier dan klimaks yang dramatis Pendekatan baru ini, yang disebutnya 'bentuk saat,' menyerupai teknik yang 'sambatan sinematik' dalam film awal abad kedua puluh.." [63] Yang pertama dari synthesizer untuk tampil Buchla tersebut.Muncul pada tahun 1963, itu adalah produk dari upaya dipelopori oleh musique beton komposer Subotnick Morton. Theremin telah digunakan sejak tahun 1920-an tetapi mencapai tingkat pengakuan populer melalui penggunaannya dalam ilmu-fiksi musik soundtrack film di tahun 1950-an (misalnya, Bernard Herrmann klasik skor untuk Hari Bumi Stood Still). Di Inggris pada periode ini, Lokakarya BBC Radiophonic (didirikan pada 1958) muncul salah satu studio yang paling produktif dan dikenal luas musik elektronik di dunia, [kutipan diperlukan] berkat dalam ukuran besar untuk pekerjaan mereka di seri fiksi ilmiah BBC Doctor Who. Salah satu seniman yang paling berpengaruh elektronik Inggris di periode ini adalah Lokakarya staf Delia Derbyshire, yang kini terkenal karena 1963 realisasi elektronik nya Doctor Who tema ikon, terdiri oleh Ron Grainer.



Pada tahun 1961 Josef Tal mendirikan Pusat Musik Elektronik di Israel di Universitas Ibrani, dan pada tahun 1962 Hugh Le Caine tiba di Yerusalem untuk menginstal Tape Recorder Kreatif di tengah [64] Pada tahun 1990-an Tal dilakukan, bersama dengan Dr Shlomo Markel. , bekerjasama dengan Technion - Israel Institute of Technology, dan VolkswagenStiftung proyek penelitian (Talmark) ditujukan pada pengembangan sistem notasi baru musik untuk musik elektronik [65]. Milton Babbitt terdiri kerja elektronik pertama yang menggunakan synthesizer-nya Komposisi untuk synthesizer-yang ia dibuat menggunakan synthesizer RCA di CPEMC. Untuk Babbitt, synthesizer RCA mimpi yang menjadi kenyataan karena tiga alasan. Pertama,



kemampuan untuk menentukan dan mengontrol setiap elemen musik tepat. Kedua, waktu yang dibutuhkan untuk mewujudkan struktur yang rumit seri dibawa dalam jangkauan praktis. Ketiga, pertanyaan itu tidak lagi "Apa batas-batas dari penampil manusia?" melainkan "Apa batas-batas pendengaran manusia? [66] The kolaborasi juga terjadi di seluruh lautan dan benua. Pada tahun 1961, Varese Ussachevsky diundang ke Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Setelah tiba, Varese memulai pada revisi gurun. Ia dibantu oleh Mario Davidovsky dan Bülent Arel. [67] Kegiatan yang intens terjadi pada CPEMC dan di tempat lain terinspirasi pembentukan Pusat Tape Musik San Francisco pada tahun 1963 oleh Morton Subotnick, dengan anggota tambahan Pauline Oliveros, Ramon Pengirim, Anthony Martin, dan Terry Riley. Overdub rekaman Riley A Rainbow di Udara melengkung (1967) digunakan berbagai instrumen keyboard elektronik, semua dimainkan oleh komposer-improvisasi. [Kutipan diperlukan] Kemudian, Pusat pindah ke Mills College, disutradarai oleh Pauline Oliveros, di mana ia sekarang dikenal sebagai Pusat Musik Kontemporer [68]. Bersamaan di San Francisco, komposer Stan Shaff dan peralatan desainer Doug McEachern, mempresentasikan "Audium" pertama konser di San Francisco State College (1962), diikuti oleh kerja di San Francisco Museum of Modern Art (1963), dipahami sebagai dalam waktu pergerakan, dikontrol suara dalam ruang. Dua belas pembicara dikelilingi penonton, empat speaker yang dipasang pada konstruksi, berputar ponsel-seperti di atas [69] Dalam sebuah kinerja SFMOMA tahun berikutnya (1964), San Francisco Chronicle kritikus musik Alfred Frankenstein berkomentar, "kemungkinan ruang-. kontinum jarang terdengar begitu luas dieksplorasi ". [69] Pada tahun 1967, Audium pertama," suara-ruang kontinum "dibuka, memegang pertunjukan mingguan melalui 1970. Pada tahun 1975, diaktifkan oleh uang bibit dari National Endowment for the Arts, sebuah Audium baru dibuka, lantai ke langit-langit yang dirancang untuk komposisi suara spasial dan kinerja. [70] "Ada komposer yang memanipulasi ruang suara dengan menempatkan beberapa pembicara di berbagai lokasi di ruang kinerja dan kemudian beralih atau panning suara antara sumber.Dalam pendekatan ini, komposisi manipulasi spasial tergantung pada lokasi dari speaker dan biasanya memanfaatkan sifat-sifat akustik dari kandang. Contohnya termasuk Electronique Puisi Varese itu (musik rekaman dilakukan di Paviliun Phillips dari 1958 World Fair, Brussel) dan instalasi Audium Stanley Schaff, saat ini aktif di San Francisco "[71] Melalui program mingguan (lebih dari 4.500 dalam 40 tahun), Shaff". memahat "suara, melakukan pekerjaan spasial digital sekarang hidup melalui speaker 176. [72] Sebuah contoh yang terkenal dari penggunaan berukuran penuh synthesizer Moog Moog modular adalah yang Switched-On Bach album oleh Wendy Carlos, yang memicu menggila untuk musik synthesizer. Pietro Grossi adalah pelopor Italia komposisi komputer dan musik rekaman, yang pertama kali bereksperimen dengan teknik elektronik di awal tahun enam puluhan. Grossi adalah seorang pemain cello dan komposer, lahir di Venice pada tahun 1917. Ia mendirikan S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) pada tahun 1963 dalam rangka untuk bereksperimen dengan suara elektronik dan komposisi.



Musik Komputer CSIRAC, komputer pertama untuk memutar musik, melakukannya secara terbuka pada Agustus 1951 (referensi 12). [73] Salah satu demonstrasi besar publik pertama musik komputer adalah pra-rekaman siaran radio nasional tentang program radio jaringan NBC Memantau pada tanggal 10 Februari 1962. Pada tahun 1961, CYCLONE komputer LaFarr Stuart diprogram Iowa State University (turunan dari ILLIAC) untuk bermain sederhana, lagu dikenali melalui speaker diperkuat yang telah terpasang pada sistem yang awalnya untuk keperluan administrasi dan diagnostik. Wawancara dengan Mr Stuart diiringi musik komputer. Akhir 1950-an, 1960-an dan 1970-an juga melihat perkembangan sintesis komputer mainframe yang besar. Mulai pada tahun 1957, Max Mathews dari Bell Labs mengembangkan program MUSIK, yang berpuncak pada MUSIC V, bahasa sintesis langsung digital [74]



Live electronics Di Amerika, elektronik hidup yang dipelopori pada awal tahun 1960 oleh anggota Teater Ruang Milton Cohen di Ann Arbor, Michigan, termasuk Gordon Mumma dan Robert Ashley, oleh individu seperti David Tudor di sekitar 1965, dan The Sonic Seni Uni, didirikan pada 1966 oleh gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier, dan David Behrman. Festival SEKALI, menampilkan musik teater multimedia, diselenggarakan oleh Robert Ashley dan Gordon Mumma di Ann Arbor antara 1958 dan 1969. Pada tahun 1960, John Cage terdiri Cartridge Musik, salah satu hidup-elektronik bekerja paling awal. Di Eropa pada tahun 1964, Karlheinz Stockhausen terdiri Mikrophonie I untuk tam-tam, mikrofon genggam, filter, dan potensiometer, dan Mixtur untuk orkestra, empat gelombang sinus generator, dan empat modulator cincin. Pada tahun 1965 ia menyusun Mikrophonie II untuk paduan suara, Hammond organ, dan modulator cincin. [75] Komposer dan musisi Jazz Paul Bley dan Annette Peacock dilakukan beberapa konser pertama di akhir 1960-an menggunakan synthesizer Moog. Merak dibuat biasa menggunakan synthesizer Moog disesuaikan untuk proses suaranya di panggung dan di studio rekaman. Pada 1966-67, Reed Ghazala ditemukan dan mulai mengajarkan "sirkuit lentur"-aplikasi dari sirkuit pendek kreatif, proses kesempatan arus pendek, menciptakan instrumen elektronik eksperimental, mengeksplorasi elemen sonik terutama dari timbre dan berkaitan dengan kurang untuk lapangan atau irama, dan dipengaruhi oleh musik aleatoric John Cage [sic] konsep [76]. Popularisasi: 1970-1980an awal Synthesizer Dirilis pada tahun 1970 oleh Moog Musik Mini-Moog merupakan salah satu pertama yang tersedia secara luas, synthesizer portabel dan relatif terjangkau. Ini menjadi synthesizer yang paling banyak digunakan baik dalam musik seni populer dan elektronik [77]. Patrick Gleeson, bermain hidup dengan Herbie Hancock di awal 1970-an, mempelopori penggunaan synthesizer dalam konteks tur, di mana mereka tunduk menekankan mesin awal tidak dirancang untuk [78]. [79] Pada tahun 1974 studio WDR di Cologne diperoleh EMS Synthi 100 synthesizer yang



digunakan oleh sejumlah komponis dalam produksi elektronik terkenal karya-antara lain, Rolf Gehlhaar yang Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausen Sirius (1975-1976), dan John McGuire Musik Pulse III (1978) [80]. Awal 1980-an melihat kebangkitan synthesizer bass, sedang Roland TB-303, bass synthesizer dan sequencer dirilis pada akhir 1981 yang kemudian akan menjadi identik dengan musik dansa elektronik yang paling berpengaruh, [81] rumah terutama asam [82]. Satu yang pertama untuk memanfaatkan itu Charanjit Singh di tahun 1982, meskipun tidak akan dipopulerkan sampai "Trek Asam" Phuture pada tahun 1987. [82]



IRCAM IRCAM di Paris menjadi pusat utama untuk penelitian komputer musik dan realisasi dan pengembangan sistem komputer Sogitec 4X, [83] kemudian revolusioner yang menampilkan real-time pemrosesan sinyal digital. Pierre Boulez yang Répons (1981) selama 24 musisi dan 6 solois menggunakan 4X untuk mengubah dan rute solois ke sistem loudspeaker.



Munculnya musik elektronik yang populer Pada akhir 1960-an, pop dan musisi rock, termasuk The Beach Boys dan The Beatles, mulai menggunakan instrumen elektronik, seperti Theremin dan Mellotron, untuk melengkapi dan menentukan suara mereka. Pada akhir dekade, synthesizer Moog mengambil tempat terkemuka dalam suara yang muncul dengan band-band rock progresif, termasuk Pink Floyd, Ya, Emerson, Lake & Palmer, dan Kejadian membuat mereka bagian dari suara mereka. Progressive rock Instrumental yang signifikan terutama di benua Eropa, yang memungkinkan band-band seperti Kraftwerk, Tangerine Dream, Bisa, dan Faust untuk menghindari hambatan bahasa [84]. Mereka synthesizer-berat "Kraut batu", bersama dengan karya Brian Eno (untuk waktu pemain keyboard dengan Roxy Music), akan menjadi pengaruh besar di atas batu synth berikutnya [85] Elektronik rock juga diproduksi oleh musisi Jepang, termasuk Isao Tomita Electric Samurai:. Switched Rock (1972), yang menampilkan synthesizer Moog renditions pop kontemporer dan lagu-lagu rock, [86] dan progresif batu Osamu Kitajima album Benzaiten (1974) [87]. Pada pertengahan 1970-an melihat kebangkitan musisi seni musik elektronik seperti Jean Michel Jarre, Vangelis, dan Tomita, yang dengan Brian Eno adalah pengaruh yang signifikan pada perkembangan musik New Age. [88] Setelah kedatangan punk rock, bentuk batuan dasar synth muncul, semakin menggunakan teknologi digital baru untuk menggantikan instrumen lain. Band perintis disertakan Ultravox dengan 1977 single "Hiroshima Mon Amour", [89] Kuning Sihir Orchestra dari Jepang, Liga Manusia dan Tubeway Angkatan Darat dari Inggris, dan devo dari AS [90] Sihir Orchestra Kuning pada khususnya. Membantu merintis synthpop dengan self-titled album mereka (1978) dan Survivor Solid State (1979) [91] Definisi MIDI dan pengembangan digital audio. membuat pengembangan murni elektronik terdengar jauh lebih mudah. [92] Perkembangan ini menyebabkan pertumbuhan synth pop, yang setelah diadopsi oleh gerakan Romantis Baru, synthesizer diizinkan untuk mendominasi pop dan musik rock tahun 80-an awal. Tindakan kunci



termasuk Duran Duran, Spandau Ballet, A Flock of Seagulls, Klub Budaya, Bicara, Jepang dan Eurythmics.Synthpop kadang-kadang digunakan synthesizer untuk mengganti semua instrumen lain, [93] sampai gaya mulai jatuh dari popularitas di pertengahan 1980-an. [90] [Sunting] sequencer dan drum mesin Sequencer musik mulai digunakan sekitar pertengahan 1970-an, dengan album Tomita sedang contoh-contoh awal [86] Pada tahun 1978, Kuning Sihir Orchestra yang menggunakan komputer berbasis teknologi dalam hubungannya dengan synthesizer untuk menghasilkan musik populer., [94] membuat penggunaan awalmikroprosesor berbasis Roland MC-8 Microcomposer sequencer [95] [96]. Mesin drum, juga dikenal sebagai mesin ritme, juga mulai digunakan sekitar pertengahan 1970an, dengan contoh awal yang progresif batu Osamu Kitajima album Benzaiten (1974), yang menggunakan mesin irama bersama dengan drum elektronik dan synthesizer. [87] Pada tahun 1977, Ultravox itu "Hiroshima Mon Amour" adalah salah satu single pertama yang menggunakan perkusi metronom-seperti mesin TR-77 Drum Roland [89] Pada tahun 1980., Roland Corporation merilis TR-808, salah satu yang pertama dan paling populer drum mesin diprogram. Band pertama yang menggunakannya adalah Orchestra Sihir Kuning pada tahun 1980, dan nanti akan memperoleh popularitas yang luas dengan merilis "Sexual Healing" Marvin Gaye dan Afrika Bambaataa "Planet Rock" pada tahun 1982, setelah TR-808 akan tetap terus digunakan sampai setidaknya 2008. [97]



Kelahiran MIDI Pada tahun 1980, sekelompok musisi dan pedagang musik bertemu untuk membakukan sebuah antarmuka dimana instrumen baru bisa berkomunikasi instruksi kontrol dengan instrumen lain dan mikro lazim. Standar ini dijuluki MIDI (Musical Instrument Digital Interface) dan dihasilkan dari kolaborasi antara produsen terkemuka Roland, Yamaha, Korg, Kawai, OBERHEIM, dan Sirkuit Sequential. [98] Sebuah kertas ditulis oleh Dave Smith dari Sirkuit Sequential dan diajukan kepada Teknik Audio Masyarakat pada tahun 1981. Kemudian, pada bulan Agustus 1983, MIDI 1.0 Spesifikasi diselesaikan. Munculnya teknologi MIDI memungkinkan keystroke tunggal, gerakan kontrol roda, gerakan pedal, atau perintah dari mikrokomputer untuk mengaktifkan setiap perangkat di studio jarak jauh dan sinkroni, dengan masing-masing perangkat menanggapi sesuai dengan kondisi yang telah ditentukan oleh komposer. Instrumen MIDI dan perangkat lunak yang dibuat kontrol yang kuat dari instrumen canggih dengan mudah terjangkau oleh banyak studio dan individu. Suara akustik menjadi diintegrasikan kembali ke studio melalui sampling dan sampel-ROM berbasis instrumen. Miller Puckette dikembangkan grafis perangkat lunak pengolah sinyal-untuk Max yang disebut 4X (setelah Max Mathews) dan kemudian porting ke Macintosh (dengan Dave Zicarelli memperpanjang untuk opcode) [99] untuk real-time control MIDI, membawa komposisi ketersediaan algoritma untuk komposer paling dengan pemrograman komputer sederhana latar belakang.



Sintesis Digital Pada tahun 1975, perusahaan Yamaha Jepang berlisensi algoritma untuk sintesis frekuensi modulasi (sintesis FM) dari John Chowning, yang telah bereksperimen dengan itu di Stanford University sejak tahun 1971. [100] [101] insinyur Yamaha mulai beradaptasi algoritma Chowning untuk digunakan dalam digitalsynthesizer, menambahkan perbaikan seperti metode "kunci scaling" untuk menghindari pengenalan distorsi yang biasanya terjadi dalam sistem analog selama modulasi frekuensi. [102] Namun, synthesizer digital komersial pertama akan dirilis akan menjadi perusahaan Fairlight Australia Fairlight CMI ( Alat Musik Komputer) pada tahun 1979, sebagai polifonik sistem praktis pertama synthesizer / digital sampler. Pada tahun 1980, Yamaha akhirnya merilis FM synthesizer digital pertama, Yamaha GS-1, tetapi pada harga yang mahal [103] Pada tahun 1983,. Yamaha memperkenalkan synthesizer berdiri sendiri digital pertama, DX-7, yang juga digunakan sintesis FM dan akan menjadi salah satu yang terbaik-menjual synthesizer dari semua waktu [100]. DX-7 dikenal karena tonalities dikenali yang terang yang sebagian disebabkan oleh laju sampling ambisius dari 57 kHz. [104] Barry Vercoe menjelaskan salah satu pengalamannya dengan suara komputer awal: Pada IRCAM di Paris pada tahun 1982, pemain suling Larry Beauregard telah terhubung seruling untuk prosesor audio yang DiGiugno 4X, memungkinkan real-time-lapangan berikut. Pada Guggenheim pada waktu itu, saya diperpanjang konsep ini untuk real-waktu berikut nilai-dengan iringan disinkronkan otomatis, dan selama dua tahun ke depan Larry dan saya memberikan demonstrasi berbagai komputer sebagai musisi kamar, memainkan sonata Handel seruling, Boulez yang Sonatine untuk flute dan piano dan dengan 1984 saya sendiri Synapse II untuk flute dan komputer-potongan pertama yang terdiri tegas untuk seperti setup. Tantangan utama adalah menemukan perangkat lunak yang tepat untuk mendukung konstruksi iringan sangat sensitif dan responsif. Semua ini adalah pra-MIDI, tetapi hasilnya sangat mengesankan meskipun dosis berat tempo rubato terus menerus akan mengejutkan Performer Sintetis saya. Pada tahun 1985 kami memecahkan masalah tempo rubato dengan menggabungkan belajar dari latihan (setiap kali Anda bermain dengan cara ini mesin akan menjadi lebih baik). Kami juga sekarang pelacakan biola, sejak brilian kita, pemain suling muda terjangkit kanker fatal. Selain itu, versi ini menggunakan standar baru yang disebut MIDI, dan di sini aku cakap dibantu oleh mantan mahasiswa Puckette Miller, yang awal konsep untuk tugas ini ia kemudian berkembang menjadi sebuah program yang disebut MAX [105].



Akhir tahun 1980-an 1990-an Munculnya musik dansa Pada akhir 1980-an, tari catatan musik dibuat dengan hanya menggunakan instrumen elektronik menjadi semakin populer.Tren ini terus hari ini dengan klub malam yang modern di seluruh dunia secara teratur bermain musik dansa elektronik. Saat ini, elektronik / musik dansa sangat populer, yang didedikasikan stasiun radio genre dan Saluran TV (misalnya, NRJ Tari, MUSIK FORCE EROPA) ada.



Kemajuan Pada 1990-an, interaktif komputer-dibantu kinerja mulai menjadi mungkin, dengan satu contoh digambarkan sebagai berikut: Harmonisasi Otomatis dari Melody di Real Time: Sebuah sistem komputer interaktif, yang dikembangkan bekerja sama dengan pemain suling / komposer Eustache Pedro, untuk analisis melodi realtime dan pendampingan harmonik. Berdasarkan skema baru yang dirancang oleh harmonisasi Eustache, perangkat lunak analisis fungsi melodi nada dari catatan yang masuk, dan segera melakukan sebuah harmonisasi yang diatur pada melodi.Perangkat lunak ini pada awalnya dirancang untuk kinerja dengan Eustache pada controller angin WX7 Yamaha, dan digunakan dalam bukunya komposisi Tetelestai, perdana di Irvine, California pada Maret 1999. [106] Perkembangan terbaru lainnya termasuk Machover Tod (MIT dan IRCAM) komposisi Mulai Lagi Lagi untuk "hypercello", sebuah sistem interaktif sensor mengukur gerakan fisik pemain cello itu.Max Mathews mengembangkan "Konduktor" program real-time tempo, kontrol dinamis dan timbre dari skor pra-masukan elektronik. Morton Subotnick merilis sebuah CD-ROM multimedia Semua Hummingbirds saya memiliki alibi.



2000-an Dalam beberapa tahun terakhir, sebagai teknologi komputer telah menjadi lebih mudah diakses dan software musik telah maju, berinteraksi dengan teknologi produksi musik sekarang mungkin menggunakan cara yang beruang tidak ada hubungannya dengan praktek-praktek tradisional pertunjukan musik: [107] misalnya, kinerja laptop (laptronica) [108 ] dan hidup pengkodean [109] Secara umum, istilah Live PA mengacu pada setiap live performance musik elektronik, baik dengan laptop, synthesizer, atau perangkat lainnya.. Dalam dekade terakhir, sejumlah perangkat lunak berbasis lingkungan studio virtual telah muncul, dengan produk seperti Alasan Propellerhead dan Ableton Live menemukan daya tarik populer [110] alat-alat seperti itu menyediakan alternatif yang layak dan biaya-efektif untuk khas berbasis hardware studio produksi., dan berkat kemajuan teknologi mikroprosesor, sekarang mungkin untuk menciptakan musik berkualitas tinggi menggunakan sedikit lebih dari sebuah komputer laptop tunggal.Uang muka tersebut telah demokratisasi musik ciptaan, [111] yang mengarah ke peningkatan besar dalam jumlah rumah-menghasilkan musik elektronik yang tersedia untuk masyarakat umum melalui internet. Seniman sekarang dapat juga individuate praktek produksi mereka dengan menciptakan perangkat lunak synthesizer pribadi, modul efek, dan komposisi berbagai lingkungan.Perangkat yang pernah ada secara eksklusif dalam domain hardware dengan mudah dapat memiliki rekan-rekan virtual.Beberapa perangkat lunak yang lebih populer untuk mencapai tujuan tersebut rilis komersial seperti Max / MSP dan Reaktor dan paket open source seperti Csound, data Murni, Supercollider, dan Chuck.



Musik Chip Chiptune, chipmusic, atau chip musik adalah musik ditulis dalam format suara di mana banyak dari tekstur suara disintesis atau diurutkan secara real time oleh permainan konsol chip komputer atau video suara, kadang-kadang termasuk sampel berbasis sintesis dan pemutaran sedikit sampel rendah. Banyak chip perangkat synthesizer musik yang terdapat bersama-sama dengan sample playback tingkat rendah.